• Pablo Picasso's 'Carnet de la California'

  • Fifty years after the master's death

Pablo Picasso's 'Carnet de la California'

Fifty years after the master's death

Pablo Picasso

I Carnet de la Californie
by Pablo Picasso

Fifty years after the master's death

10 March – 29 April 2023
Inauguration: Friday 10 March from 18.00

On the occasion of the fiftieth anniversary of the death of Pablo Picasso, a brilliant and rebellious spirit, I am pleased to present you the lithographs of the Carnet de la Californie , a series of 'variations on a theme' created by the master in just 10 weeks.

In 1955, Picasso confirmed his link with the Côte d'Azur by purchasing a majestic villa in the Art Nouveau style on the heights of Cannes in the La Californie district. Here he will live with his new partner, Jacqueline Roque until 1961.

The master places his atelier in the huge and bright living room, whose large windows overlook a luxuriant garden. Some shots of the time testify to the disorder and accumulation of objects that contributed to Picasso's creation.

The works we present to you are a series of drawings executed from 1 November 1955 to 14 January 1956, transposed into lithography in 1959 by Mourlot. Seventy-five days in which Picasso produced countless variations of what he himself defined “paysages d'intérieur” . (1)

The carnet is made up of fifteen drawings of the interior of his studio, seven portraits of Jacqueline Roque dressed as an odalisque and three quotations from old masters.

Fifteen variations of the study
In each of which we recognize his atelier: canvases on easels, a small table with a bust on it, a chest of drawers, a sculpture of a bird and the artist's favorite rocking chair. We glimpse order, but more often the sense of symmetry disappears, the ceiling wobbles, the furniture swirls, in accordance with the experimental rhythm Picasso imposes on the space. The palm trees that we see through the windows now enter and invade the room, now they are brought back to a green ray of beams of light. The eye is taken along a thousand lines of flight that meet nowhere.

Seven portraits of Jacqueline Roque as an odalisque
An immediate reference to Delacroix for whom Picasso always had a strong admiration. The desire is to create his own version of Les Femmes d'Alger studied at length during his visits to the Louvre. Thus he began to create a good number of variants of Delacroix's work, introducing his own peculiar cubist trait into each one, as well as bringing back some typical characteristics of his friend and artistic rival Henri Matisse, who died a few months ago.

Three Sheets of Quotations from Old Masters
Picasso has always been a great creator of pastiches (2) , several times during his artistic career he reformulated the works of both his contemporaries and the great masters of the past. During the ten weeks of work in La Californie , he made on the same sheet of the cahier , a version of the Portrait of the Duchess Catherine von Mecklenburg , by Lucas Cranach the Elder, and the Head of a Girl Reading a Letter by Vermeer. Furthermore, in a very free but faithful drawing, he takes up the famous Portrait of Charles de Morette by Hans Holbein. The notebook closes with the masterful interpretation of The Man with the Golden Helmet by Rembrandt.

At seventy years old, Picasso is indisputably the most famous painter in the world, he takes possession of concepts, colors, shapes and manages to grasp the secret implications of things and human figures, overturning the rules of anatomy, perspective and composition in space . Never satisfied, it is renewed each time marking milestones in the history of art. He quotes all the greatest artists without ever copying them, reinvents, experiments and produces at a fast pace, transfiguring everything. Picasso eliminates the illusory third dimension of perspective, shatters the form in the decomposition of planes in space: in practice, he changes the way of seeing things.

As Gertrude Stein maintained: "His drawings were not of things seen but of things expressed, in short they were words for him; drawing was always his way of speaking, and he talked a lot." (3) This is his authentic creative force, that of one of the greatest transgressors of the aesthetic ideal of beauty of all time.

(1) Reasoned catalogue: Sebastian Goeppert, Herma Goeppert-Frank, Patrick Cramer, Pablo Picasso, Catalog raisonné des livres illustrés, Cramer èditeur, Genève, 1983.
(2) Artistic work in which the author deliberately imitates another's style.
(3) Gertrude Stein, Picasso, Adelphi, 1973.

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Sono da considerarsi stampe originali (silografia, bulino, puntasecca, acquaforte, acquatinta, litografia, serigrafia, ecc.) le prove tirate in nero e a colori da una o più lastre concepite dall’artista stesso, qualunque sia la tecnica impiegata per realizzarle. Nel XX secolo molte delle tecniche tradizionali hanno subito variazioni dovute al perfezionamento della tecnologia e al desiderio degli artisti di sperimentare nuove forme espressive, per cui nelle stampe originali incontriamo tecniche con base fotografica o eliografica, fino a elaborazioni di immagini eseguite con l’ausilio del computer. Queste particolarità vengono indicate nelle schede tecniche dell’opera. Le stampe giapponesi non seguono queste regole: l’artista eseguiva un disegno su carta molto sottile, espressamente per l’incisione questo veniva incollato al rovescio sulla lastra che poi veniva incisa dallo hori-cho (silografo), sotto il controllo dell’artista. Veniva incisa una lastra per ogni colore. Lo stato è una modifica volontaria alla lastra, mentre la variante è una modifica accidentale alla lastra o si riferisce alla qualità o alla carta. La qualità o bellezza dell’impressione è indipendente dallo stato, dalla conservazione, dalla rarità, dal soggetto e dall’autore (una prova tarda di ultimo stato, se stampata con cura, può essere di alta qualità; e si intende che la qualità è alta o bassa nell’ambito della medesima tiratura). Gli aggettivi d’uso internazionale per definire la qualità sono, in ordine decrescente: superba, splendida, magnifica, bellissima, bella, discreta, mediocre, stanca e povera. Per le stampe moderne e contemporanee, quando non si tratti di prove di stampa o di tirature non documentate ma di esemplari appartenenti ad una tiratura, in cui il primo esemplare e l’ultimo non hanno differenze di qualità, queste vengono indicata con il termine “perfetto esemplare”. Per le stampe giapponesi la qualità del colore viene indicata coi seguenti aggettivi in ordine decrescente: brillante, ottimo, buono, discreto, pallido. Si menziona sempre l’esistenza o meno della firma. Si ricorda, tuttavia, che questa, non è di nessuna utilità né nella certificazione dell’autenticità né nell’attribuzione. Dunque l’assegnazione di una stampa ad un autore, diversamente di quella di un disegno o di un quadro, venendo impressa in più esemplari può venire considerata, opera pubblicata e perciò di autore certo e documentato. Per le stampe antiche e giapponesi è difficile parlare di tiratura poiché esse venivano generalmente stampate a seconda della richiesta. Oltre alle due grandi divisioni, coeve e tarde, le stampe venivano tirate in tempi diversi a seconda della domanda. Per edizione corrente si intende una tiratura ampia, alle volte anche oltre il migliaio di copie, voluta dall’autore e dall’editore, spesso come tavola fuori testo di libri o riviste d’arte. Non sono da considerarsi artisticamente opere minori, molte hanno avuto un’edizione parallela di lusso. La rarità è dovuta o alle poche impressioni eseguite, o alla legge della domanda-offerta e ancora la qualità della conservazione viene indicata con le seguenti frasi in ordine decrescente: in eccezionale stato di conservazione, in perfetto stato di conservazione (ad eccezione di...), in buono stato di conservazione (ad eccezione di...). I margini vengono così classificati: sottilissimo fino a 1 mm, sottile da 1 a 2 mm, piccolo da 2 a 4 mm.buono da 4 a 15 mm, ampio oltre i 15 mm, intonso è un foglio che conserva le misure in cui è stato fabbricato o stampato, con editoriale si intende un foglio che è stato messo in commercio senza margini o con una precisa dimensione di carta scelta dall’artista di concerto con l’editore. Le misure sono tutte in millimetri, altezza per base, si riferiscono per le stampe in cavo (acquaforti, bulini,...) all’impronta del rame, per le silografie alla linea marginale e, in difetto di queste, al foglio, per le litografie e serigrafie si riferiscono all’immagine e non al foglio. Talvolta i cataloghi ragionati riportano misure leggermente diverse, ciò può dipendere dai criteri di misurazione o dall’elasticità della carta che, a seconda della temperatura/umidità degli ambienti in cui è stata conservata o dalla pressione del torchio, si restringe o si allarga. L’autenticità delle stampe originali e la loro corrispondenza alle caratteristiche descritte nella nostra “dichiarazione di autenticità” verrà rilasciata all’acquisto di ogni opera.